PORSIEMPRISMO EN EL CINE DE TERROR vol.1: 'La casa de cera', 'Viernes 13' y 'Hermandad de sangre'

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Grafton Tanner en su libro Porsiemprismo (2024) sostiene la tesis de que la industria cultural explota una y otra vez la misma imagen recortada del pasado, viviendo en un ahorismo continuo que nos impide pensar el futuro y sentir nostalgia por el pasado. Algo de todo esto ya detectaron críticos culturales como Mark Fisher y Simon Reynolds, situando su comienzo en la década del setenta. Reciclar estéticas pasadas para comercializarlas tiene como consecuencia la pérdida de la imaginación, ya que la cultura en el capitalismo digital consiste en reproducir lo viejo, no en pensar lo nuevo. También acarrea la imposibilidad de generar una distancia entre nuestro presente y el pasado que verdaderamente nos permita experimentar nostalgia. Así llegó el nuevo siglo y el cine de terror comercial se dedicó a los remakes de películas asiáticas, a refritos slasher de Scream, al thriller sobrenatural y de asesinos en serie y a un montón de remakes y reinicios de sagas y películas clásicas de los setenta y ochenta. En esa década del dos mil asomaron con fuerza el Nuevo Extremismo Francés, el cine británico, la pequeñas producciones europeas —sobre todo alemanas, escandinavas y del Este— y distintas cinematografías asiáticas, mientras Hollywood se convirtió en una fábrica de espectros, reciclando su propio pasado y pillando cosas de aquí y de allá. La lista de remakes, reinicios y posteriores secuelas es larguísima, desde películas y sagas míticas hasta otras más oscuras y olvidadas: la nueva trilogía de Halloween de Rob Zombie, La matanza de Texas (2003), La casa de cera (2005), Viernes 13 (2009), Las colinas tienen ojos (2006), San Valentín sangriento 3-D (2009), Hermandad de sangre (2009), La última casa a la izquierda (2009), Carretera al infierno (2007), El padrastro (2009), Negra Navidad (2006), La profecía (2006), The Fog (2005), Willard (2003)... El fin de la nostalgia llegó en la forma de bucle infinito que se repite a sí mismo.


La casa de cera (2005) está dirigida por el español Jaume Collet-Sierra y protagonizada por Elisha Cuthbert, que venía de la serie 24 y varias películas románticas. A Cuthbert la acompañaban secundarios como Sam Winchester Jared Padalecki y Paris Hilton. Fue la presencia de Hilton lo que condicionó la recepción de La casa de cera, poco menos que convirtiendo a la película en una especie de serie Z. Lo que contrasta con el presupuesto nada desdeñable con el que contó Collet-Serra para dirigir la película, que luce un diseño de producción y unos efectos bastante por encima del slasher adolescente medio de esos años. Porque en eso se convirtió ese remake, un slasher que poco tenía que ver con la pacata Los crímenes del museo de cera, película protagonizada por Vincent Price en 1953, y también radicalmente alejada del tono de Los crímenes del museo (1933) dirigida por Michael Curtiz, ejemplo de cómo saltarse la censura y ser, casi cien años después, ejemplo de modernidad en el cine de terror. Así que La casa de cera se inspira en esos antecedentes, el gótico y el misterio, para construir un slasher adolescente con algo de gore y unos efectos prácticos —la casa de cera deshaciéndose por el calor— que se llevaron la mayoría del presupuesto de la película.

Lo que muchos aficionados al terror celebraron

La casa de cera fue el debut en Hollywood de Jaume Collet-Sierra y su manera de dirigir es lo que la diferencia de otros slashers de la época. Están esa manera de dirigir tan predominante en la época de mucho corte y ritmo acelerado junto a una estética más sucia y realista, pero pasadas ambas por el tamiz «europeo» de Collet-Serra. La casa de los 1000 cadáveres de Rob Zombie y La matanza de Texas de Marcus Nispel inauguraron en 2003 esta estética más sucia, deudora del cine de terror de los setenta. También empieza a asomar en la película de Collet-Serra un gore que poco o nada tenía que ver con lo visto unos años antes en el cine comercial. Sin llegar a ser tan bestia como en el torture porn, sí gana en ser más explícito y visceral.


Grabar con una cámara de vídeo, esos tiempos


La película tiene en uno de los villanos un toque histriónico y bastante teatrero que recuerda al personaje interpretado por Steven H. Price en otro remake, House on Haunted Hill (1999). Hay varios personajes que aunque no de una manera tan exagerada sí rozan la parodia. Y no, Paris Hilton es un desastre actuando pero no es un completo desastre. Tampoco convierte eso a La casa de cera en una película de culto a reivindicar, pero como lo que es, ya sobresale por encima de la media. Tampoco nos podemos olvidar de un guion que está más cerca del giallo italiano que de tu slasher adolescente prototípico.

Viernes 13 (2009), segundo remake dirigido por Marcus Nispel en esa década después de La matanza de Texas (2003), es la duodécima película de una saga casi eterna. Como en el caso de La matanza de Texas, la Viernes 13 de Nispel pegó fuerte en taquilla, confirmando a los estudios de Hollywood que todavía se podía seguir rascando la sartén un poco más. 

La película contó con Sam Winchester Jared Padalecki, que volvía a repetir en un remake de terror, pero esta vez en el papel protagonista. Como curiosidad, en ese 2009 también pudimos ver a Dean Winchester Jensen Ackles, compañero de reparto de Padalecki en Sobrenatural, protagonizar su propio remake de terror, San Valentín sangriento 3-D. Sí, fue la oscura época de añadir efectos de 3-D en posproducción porque «es el futuro»; o eso decían. Lo de Padalecki en esta película roza el absurdo, porque lo de que es Sam Winchester, su personaje en Sobrenatural, no es coña. Lo visten igual para la película. Y tampoco es un actor que ande sobrado, así que la película es como ver un capítulo de Sobrenatural en Crystal Lake.

Marcus Nispel se levantó gracioso ese día

Viernes 13 es un tanto peculiar por la autoconsciencia que Marcus Nispel tiene del medio que está trabajando, en mi opinión para bien. La película arranca con un breve prólogo de lo que pasó en el campamento de Crystal Lake en 1980 para presentarnos a un grupo de personajes, prototípico a más no poder, que casi treinta años después buscan el campamento. Lo que hace Nispel es construir un falso principio con estos personajes, a los que Jason despacha en una primera media hora que parecía el arranque verdadero de Viernes 13. Ambientada unos meses después, la historia continúa con otro grupo de personajes que van a pasar unos días de vacaciones a una cabaña que tiene el padre de uno de ellos, cerca de Crystal Lake. Por ahí se cruzan con el personaje que interpreta Padalecki, en busca de su hermana desaparecida y que formaba parte del grupo de jóvenes que asesina Jason en el comienzo de la película. A partir de ahí la película ya se convierte en algo más estándar, pero ese comienzo y algunos one-liner que sueltan los personajes le dan otro tono a lo que podía haber sido Viernes 13 pero ahora meta como Scream.

El capítulo perdido de 'Sobrenatural' donde Sam Winchester se adentra con su moto en el atardecer

Marcus Nispel, que viene de dirigir videoclips como otros tropecientos directores de la época, sí que se diferencia en algunas cosas. Grabada en película de 35mm, aparece un grano que no desentona, alejado de esa textura digital que da un look demasiado artificial y que era dominante en el cine comercial. Nispel también introduce, además del grano, una suciedad que ya recuperó en La matanza de Texas unos años antes. Es una película bastante oscura por momentos, con unos negros empastados que contrastan con unos colores desaturados en los que predominan los marrones. Viernes 13 también tiene momentos de pausa, donde la cámara se mueve menos, con mucho uso de teleobjetivos. Lo que contrastas con unas escenas de acción mucho más frenéticas y aceleradas.

En este rascar la sartén de la industria de Hollywood por aprovechar cualquier resto llegó Hermandad de Sangre (2009), un remake de un slasher de los ochenta no muy conocido que en España llevó el título de Siete mujeres atrapadas (1983). Dirigida por Steward Hendler, del que ya hablé hace unas semanas por aquí de su película Hellion, el ángel caído (2007), demuestra en Hermandad de sangre que un reloj estropeado da bien la hora dos veces al día. Sin duda, el mérito recae en gran parte en un guion que ha convertido a Hermandad de sangre en un pequeño fenómeno de culto. En el reparto destacan la protagonista, Briana Evigan, que también venía del mundo del videoclip como el director, y una Carrie Fisher en un papel secundario que gana protagonismo en el tercio final de la película.

La película copia a la original de 1983 al usar la misma excusa narrativa: una broma de fraternidad que sale mal. Un grupo de estudiantes de último año celebra una fiesta en su casa de fraternidad. Una de ellas es drogada para ser violada por su novio, pero en el último momento sufre una sobredosis. Todo esto en apariencia, porque en el fondo se trata de una broma coordinada por sus amigas, una mera venganza contra el novio que le puso los cuernos. Todo acaba mal porque estiran la broma demasiado, y el novio acaba matando de verdad a la chica. Visto mil veces, deciden deshacerse del cuerpo y seguir con sus vidas, hasta que un asesino les da caza una a una. Lo dicho, especialmente después de Sé lo que hicisteis el último verano (1997), no tiene mucho misterio. Como detalle, se menciona a Youtube y Facebook, pero cada vez que hay que hacer uso de un teléfono móvil, o se pierde, o se olvida en otra parte o no tiene cobertura. Ya sólo por esos detalles la película se sitúa más de nuestra época que la mayoría de slashers de esa década. Una película ambientada en la actualidad sin pantallas e internet es raro.

La princesa Leia a la caza de soldados imperiales

La película comienza con un plano secuencia de la fiesta que tiene lugar en la casa de la fraternidad femenina a la que pertenecen las protagonistas. Creo que el plano secuencia tiene algo de trampa, ya que hay dos momentos en los que la cámara atraviesa una puerta en los que parece que hay un corte, pero no se nota demasiado. Y no es lo típico de director con ataque de autor que se quiere sacar la chorra con un plano secuencia. Aquí sirve para presentar al grupo de amigas. La cámara sigue a cada una de ellas, como una carrera de relevos en la que una va presentando a la otra. También sirve este plano secuencia para presentar desde el mismísimo comienzo la geografía de la casa, que en el tercio final será fundamental, ya que la casa de la fraternidad se convierte en una especie de laberinto. Al final va a resultar que Steward Hendler no es tan manta como parecía en Hellion, el ángel caído.

La FRASE de la película

Si Marcus Nispel y Jaume Collet-Serra optaban por la suciedad en sus películas y por unos colores desaturados, Steward Hendler opta por todo lo contrario. Él, que viene del mundo de la publicidad de coches, pasa de unos colores neón en la fiesta a una fotografía que vira a verde y que recuerda a The Ring (2002), el remake de Gore Verbinski, un poco la precursora de esos grises del cine independiente que luego se hicieron tan populares. De cualquier modo, ese contraste entre los colores alegres de la fiesta y el crimen le dan un toque especial a la película. También está el detalle del etalonaje, que hace que las protagonistas luzca, especialmente sus pieles, de una manera artificial, como si fuesen muñecas. 

Farmear aura hace veinte años era irse de botellón a una mina abandonada

Muy chula es la dirección de Steward Hendler en las escenas donde aparece algún desnudo. Para mí destaca por sobre las demás la escena de las duchas. Hendler no es el típico director de primeros planos de culos y tetas. La escena de las duchas está dirigida de una manera muy natural y nada erótica: la coreografía de las actrices permite ver algún desnudo, y aunque los tiros de cámara no buscan ocultarlos, tampoco los persiguen. Es lo contrario a lo que se hacía, que bien huía de los desnudos o te ponía culos y tetas porque sí. Esta manera de dirigir, el humor negro y el tono meta omnipresente en la mayoría de producciones, hicieron de Hermandad de sangre un título que con los años se ha ido revalorizando. Es la típica película que te perdiste en la época, que no te llama la atención después y que si decides darle una oportunidad te soluciona una tarde tonta el fin de semana.

Under the football lights
She looked me in the eye
She grabbed my sleeve and said believe I'm going down tonight
We felt it on our skin
Walking against the wind
Romeo and Juliet they said we couldn't win
She don't know how she can win
She don't know where to begin
She's looking out for a friend
She's calling out in the darkness

Keeping our heads above water
Trying to learn how to swim
Saying you're all I got just to breathe again
Feeling the world and the weight of it's shadow
Saying we're too young to fight this battle
Taking all your love to believe again

THRILLERS DE COREA LA MALA vol. 2: 'Lady Vengeance', 'The Wailing' y 'Deranged'

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Sympathy for Lady Vengeance o Lady Vengeance (2005), título acortado que utilizan las plataformas de streaming para denominar a la película, está dirigida por Park-Chan woo. Se trata de la tercera y última entrega de eso que el director llamó Trilogía de la venganza, compuesta por Sympathy por Mr. Vengeance (2002), Old Boy (2003) y esta Lady Vengeance (2005). Park-Chan woo, que ya empezó a destacar con JSA (2000), consiguió con Old Boy una repercusión internacional que hasta Tren a Busan (2016) y Parásitos (2019) ninguna película coreana tuvo, salvo la excepción de The Host (2006). La película está protagonizada por una carismática Lee Young-ae y por Choi Min-sik, que se come la pantalla. Choi Min-sik, al que ya mencioné aquí cuando hablé de I Saw the Devil (2010) es uno de los rostros más conocidos del cine coreano, entre otras cosas, gracias a su papel en Old Boy. Aunque a otro nivel, es el Takeshi Kitano de su generación.

Lady Vengeance narra la historia de Lee Geum-ja, una joven, casi adolescente, encarcelada por el secuestro y asesinato de un niño cometido por otra persona. En la cárcel se gana el apodo de «la amable Geum-ja», una fachada dulce y amable tras la que oculta su plan de venganza contra el verdadero culpable del asesinato del niño, Sr. Baek, papel interpretado por Choi Min-sik. Así conoceremos su relación con otras reclusas, cómo estas se sienten en deuda con Geum-ja y el por qué de haberse declarado culpable de un asesinato que ella no cometió.

Sacar al perro a pasear en Corea no es como pensáis

La película navega entre las aguas de una violencia brutal, aunque reservada a unos cuantos momentos, y una estética visual lírica, muy poética, que la emparenta con un título como Amélie (2001). Los colores saturados, el barroquismo de algunos decorados recargados hasta el exceso, la banda sonora clásica y la atmósfera como de cuento de hadas recuerdan a la película francesa, aunque en su reverso oscuro: Lady Vengeance poco a poco se va desaturando en los colores, acabando con una paleta más apagada, no tiene el efecto dreamy de un filtro difusor, su luz es dura y llega hasta el punto de escenas expresionistas. 

En la República de Weimar estarían orgullosos de esta película

Si por algo destacaría la dirección de Park-Chan woo es por el uso del color y su simbología dentro de la película. El rojo y el blanco son dominantes, simbolizando la rabia y la culpa el rojo y la inocencia y la pureza perdida el blanco. A medida que avanza la trama y Geum-ja consuma su venganza, los colores se van desaturando y la película acaba casi en un blanco y negro, simbolizando el vacío de Geum-ja, que culmina en la escena final de la nieve. La cámara está más estática y se mueve mucho menos que en Old Boy, priorizando la composición de esos planos tan barrocos y sobrecargados que abundan en la película. La estructura, aunque se sigue bien, es fragmentaria, con continuos saltos temporales y distintas presentaciones de personajes.

The Wailing (2016), El extraño en España, es una película dirigida por Na Hong-jin, del que ya hablé también por aquí cuando reseñé su primera película, The Chaser (2008). No es un director que se prodigue mucho, ya que este 2026 ha estrenado Hope, la que es hasta ahora su cuarta y última película. Como protagonista tenemos a Kwak Do-won, que ya coloboró con Na Hong-jin en su anterior película, The Yellow Sea (2010), además de aparecer en otro thriller político y de acción más o menos conocido, Steel Rain (2017). 

En un pequeño pueblo coreano comienza a suceder asesinatos brutales y aparentemente sin unas motivaciones claras. La policía, como suele ser habitual en el cine coreano, están en la inopia, haciendo gala de una total falta de preparación y profesionalidad. El miedo y los rumores crecen en esta pequeña comunidad rural, que achacan todos sus males a la llegada de un viejo ermitaño japonés que vive en la montaña cercana al pueblo. Kwak Do-won interpreta el papel de sargento de la policía destacado en este pueblo, donde vive con su madre, su mujer y su hija pequeña. La película comienza apuntando al thriller de asesinos en serie, pero cuando la hija del personaje que interpreta Kwak Do-won muestra síntomas de estar poseída, The Wailing se convierte en un thriller sobrenatural coqueteando con el terror más puro. Quizás sea una de las cosas que más pueden chocar al espectador. No es que no haya apuntado en esa dirección con algunas escenas y detalles, pero el paso se una cosa, el thriller, a la otra, el sobrenatural, parece bastante brusco. The Wailing comienza casi como comedia costumbrista, coge el carril del thriller y en algún momento se incorpora con un volantazo al terror.

Empleado del mes en Tyrell Corporation

La película usa un recurso que a mí me molesta bastante: el de construir una escena que acaba en susto para al final revelar que «era un sueño». Na Hong-jin, como hizo el Anderson malo en Horizonte Final (1997), utiliza este recurso varias veces en su película. Y hasta tiene cierto sentido, pero no deja de ser algo molesto y un poco de vago. Es junto a esa fusión de thriller con terror que hunde sus raíces en el folclore coreano lo que menos funciona de la película. Por otro lado, esa estética de realismo sucio de colores grises fríos, la iluminación natural, el barro, la lluvia y la niebla contribuyen a unos escenarios que dan la sensación de estar abandonados, desgastados por las inclemencias del tiempo y el clima.

Las ganas de vivir después de una semana de trabajo

El tono tan característico de los thrillers coreanos, ese que mezcla distintos géneros, también está en The Wailing. Ya dije que empieza casi como comedia costumbrista, como cuando la hija pequeña pilla al protagonista y a su mujer follando en el coche. O cuando el protagonista se mea en los pantalones del susto en una escena del crimen. Hay varios ejemplos de esto. Por otro lado juega a algún tipo de dualidad que se insinúa al principio y se explicita al final: ¿es el extraño viejo japonés un demonio? ¿Y la misteriosa mujer de blanco un espíritu benigno? ¿Cuál es el papel del chamán? Asistimos a un ritual de exorcismo con un montaje en paralelo muy chulo, un ritmo frenético que combina a la hija de Kwak Do-won contorsionándose en su casa, al chamán en pleno ritual en la calle y al anciano japonés en su cabaña de la montaña. Es precisamente en el montaje donde brilla la película. Aunque el título de la película en España, El extraño, despista bastante de un montaje que juega precisamente a la ambigüedad. Y que Na Hong-jin es bastante tramposo para hacernos creer una cosa cuando es la contraria. La falta de información y el montaje es clave para este juego que se trae entre manos Na Hong-jin.

Deranged (2012) es una película de pandemias dirigida por Park Jung-woo. El título en inglés con el que se distribuyó la película viene a significar algo así como «trastornado», un poco genérico que no ayudó demasiado su difusión. En coreano el título alude a los gusanos parásitos protagonistas de la pandemia. 

La película se centra en Jae-hyeok y su familia. Casi como nos tiene acostumbrados el cine coreano, Deranged comienza como una dramedia costumbrista. Jae-hyeok es un profesor de química venido a menos desde que aconsejado por su hermano invirtió todos sus ahorros en bolsa y los perdió. Desde entonces tiene que trabajar en puestos poco cualificados y es un vinagres que maltrata a su mujer e hijos. Su hermano, detective de policía, vive para compensar su error en búsqueda de otro pelotazo en bolsa, para, para lo que recurre a su novia, científica del ministerio. Con todo este entramado de personajes girando alrededor del protagonista comienza la película, cuando empiezan a aparecer cadáveres en el río. Un parásito que se transmite a través del agua se expande por Corea la menos buena y provoca la emergencia nacional. Jae-hyeok deja a su mujer e hijos infectados en un hospital mienstras que emprende la búsqueda de las medicinas que los salven. Las tramas de su hermano y su cuñada convergen con la trama del periodista destapando un gran escándalo. Deranged es poco coreana en algunos de sus planteamientos. La policía, aunque el hermano del protagonista sea un poco zoquete, actúa con eficiencia, así como el gobierno y otros organismos estatales. La corrupción se encuentra en un malvado demasiado codicioso y unos científicos algo tontos que se prestan a su plan. La película también tiene un tono más occidental, ya que a pesar de su comienzo algo costumbrista rápido coge el tono de thriller familiar: el protagonista, un hombre mucho hombre, se desvive por conseguir una cura para su familia. Su mujer es buena esposa y buena madre que espera la cura del marido. Y así un poco todo. Cuando el protagonista está a punto de conseguir o consigue la medicina, algo sucede y tiene que volver a comenzar su búsqueda.

Así era buscar cosas en internet hace tres lustros

Park Jung-woo fue guionista de comedias de éxito en la década de los noventas y con el cambio del siglo se pasó a la dirección. Esta Deranged (2012) y Pandora (2016) son su incursión en el cine de catástrofes de gran presupuesto, con un muy buen resultado de taquilla. Son películas bastante genéricas y donde no destaca una dirección de autor, como Lady Vengeance y The Wailing. Deranged es una película con una fotografía muy anodina, de colores fríos grises y azules muy desaturados, mucha cámara en mano, ritmo frenético y un CGI más que correcto. Park Jung-woo dirige una película que no desentonaría en el catálodo de Netflix en 2026: más que correcta pero completamente anodina.

He got lucky one time
hitting with the girl in room 509.
She turned her back on him, facing the frame
and said, Listen Joe, don’t you come here again.

White sun scattered all over the sea –
he could think of nothing but her name, ‘Elise’.
God is the sweat running down his back.
The water soaked her blonde hair black.

It’s a perfect day Elise.

He got burned by the sun –
his face so pale and his hands so worn –
let himself in room 509,
said a prayer, pulled the trigger and cried

It’s a perfect day Elise.






Nueva Ficción Extraña Latinoamericana X: 'La nación de los sueños diurnos' [ARGENTINA]

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La nación de los sueños diurnos (2026) es la última novela del argentino Juan Mattio, publicada por la también argentina Caja Negra. Como en el caso de Materiales para una pesadilla (2021), su anterior novela, de la que hace unos meses escribí por aquí, La nación de los sueños diurnos sigue explorando las ruinas del pasado que habitamos en nuestro presente. Juan Mattio es uno de los autores más hauntológicos de la literatura actual y a través de la estética del fragmento es capaz de capturar la época que dibujan los fantasmas de esos futuros truncados que nunca fueron. Vivimos en las ruinas de un pasado político derrotado hace más de medio siglo y ahí seguimos, entre melancólicos y desconcertados. 

La nación de los sueños diurnos narra la irrupción de una plaga de tumores cerebrales en un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires. La investigación sobre estos hechos se constituye como la parte central de un libro que, como en el cuento de Borges, se bifurca en distintas temporalidades y realidades. Ya en su anterior novela Juan Mattio jugaba con las temporalidades y la estructura fragmentaria, pero en La nación de los sueños diurnos va un paso más allá. Juan Mattio se sirve de informes periciales, médicos, jurídicos, de testimonios, entrevistas y otros fragmentos como estructura y constelaciones que dan sentido a una trama desordenada. Los distintos discursos que se dan cita en la novela, la ciencia, la religión, el Estado, no sirven para explicar la realidad de lo que sucede, no son suficientes. Es otra de las obsesiones de Mattio, el lenguaje que se nos presenta como algo opaco. La confianza en la transparencia de las palabras se quiebra con la existencia de un inconsciente que produce sentido en nuestro discurso por fuera de nuestra voluntad. La realidad es que tú quieres decir una cosa y dices otra —lapsus—, que es el sentido que tu inconsciente le dio. El lenguaje es opaco y se convierte en una entidad ominosa que está pensando por encima del dominio de nuestra consciencia. Para Mattio así es como circula el deseo social, cómo se desean formas despiadadas de poder que llegan determinadas por el tipo de lenguaje al que nos exponemos y cómo este afecta nuestra forma de pensar. Vivimos un presente en el que estamos expuestos a una sobresaturación de discursos y a lo que Luis Ignacio García llama en Fascismo cosplay desjeraquización del discurso público: la opinión de un terraplanista vale lo mismo o más que el saber de un científico. Esa crisis de los distintos discursos —ciencia, política— la refleja Mattio en su novela.

Mattio, en esa idea de que la mejor manera de conocer una época es conocer sus delirios, coge la teoría del internet muerto y la empuja un poco más allá. En la novela la realidad se resquebraja por el ingreso de materia hipersticional en nuestro mundo. Los llamados «anhelos generativos» producirán la Voodoo Connection, que propicia la posibilidad de un enlace entre datos digitales y personas. Es la ingeniería de la manifestación. En La nación de los sueños diurnos una grieta que se abrió a sí misma acumulando los errores y protocolos automatizados desde 1969 con ARPANET amenaza la realidad. Cuando la anomalía ingrese la cantidad suficiente de materia hipersticional en nuestro mundo dejará de ser virtual, llegaremos al punto de no retorno en el que nuestra realidad se quiebra.

Lo que sí está presente en La nación de los sueños diurnos que no estaba en Materiales para una pesadilla es el juego. Muchos de los títulos de los capítulos remiten a tiradas del tarot o citas de la biblia que podemos investigar por nuestra cuenta y que complementan el significado de lo que estamos leyendo. Que Mattio haya borrado las fechas de todos los documentos oficiales que intercala en la narración también tienen que ver con esa parte lúdica de despistar al lector que quiera hacer el ejercicio de intentar leer el libro reconstruyendo una temporalidad lineal. Otra de las partes más entretenidas y divertidas de la novela es reconstruir a través de los fragmentos de una investigación lo que realmente sucedió. La nación de los sueños diurnos es un libro donde no se hace pie hasta bien avanzada la novela. Como el cine de Lucrecia Martel, La nación de los sueños diurnos —y Materiales para una pesadilla— está escrita para el futuro. Son los procesos cognitivos complejos los que tienen la capacidad de despertar emociones. Lo abstracto, los objetos culturales lo suficientemente complejos son los que nos pueden sacar del entretenimiento puro y las pasiones tristes. Vivimos entre dos ideas de cultura: el entretenimiento que nos alivie del mundo o los objetos complejos que nos ayuden a salir de la alienación. El gusto es social, no un don natural, y frente a la homogeneización y la parálisis cultural de remakes, reinicios, precuelas, secuelas y refritos varios, se agradecen propuestas como las de Juan Mattio. 

Hace cien años, a la vez que surgían proyectos políticos autoritarios, vivimos un auge del fantástico europeo de la mano de autores como Jean Ray, Franz Kafka, Maurice Renard, Leo Perutz, Alexander Lernet-Holenia, Stefan Grabinski, Gustav Meyrink y Karel Capek, eso sin contar con el pulp del otro lado del Atlántico que venían cocinando H. P. Lovecraft y su círculo y lo que llegaba del otro lado del Canal de la Mancha con autores tales como Lord Dunsany, M. R. James, Algernon Blackwood y William Hope Hodgson, por decir algunos nombres. Hoy, cien años después, vivimos otro auge de las pasiones tristes fomentado y aprovechado por los mismos nos llevaron al desastre en el siglo XX. La literatura que captura esta época no la encontramos en los autores y autoras europeos, británicos y estadounidenses, sino que al contrario de lo sucedido en el siglo XX, esta vez nos viene de la periferia. 

Mattio, Juan (2026). La nación de los sueños diurnos. Caja Negra.


With my idle hands
There's nothing I can do
But be the Devil's play-thing, baby
And know that I've been used
Her lips are cold
They suffer me
They drag me under, baby
Into your suffering

Let your hands
Do what they will do
Stand inside
Make your maker's move
And your eyes don't look the same
They seem enervated, in denial
Cast like stones
Like you been rode for miles
Rode for miles




THRILLERS DE COREA LA MALA vol. 1: 'Encontré al diablo', 'Memories of Murder' y 'The Chaser'

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Encontré al diablo (2010) o I Saw the Devil por su título en inglés es un thriller coreano del director Kim Jee-woon, con guion del propio director en colaboración con Park Hoon-jung y protagonizada por el que quizás es el rostro más conocido del cine japonés de este siglo, Choi Min-sik. El otro protagonista de la cinta es Lee Byung-hun, que aparece en otros thrillers coreanos como JSA (2000), varias películas de acción de Hollywood y series populares como El juego del calamar (2021).

La película es un rara avis dentro de los thrillers coreanos que más populares en occidente. Lo es por el tono serio. Pasa en el cine asiático en general, pero siempre hay varios tonos y géneros mezclados en la misma película. Unas combinaciones un tanto exóticas para el público occidental que mezclan thriller con comedia y drama con momentos mucho más distendidos, en una proporción que siempre parece estar al límite pero que nunca lo sobrepasa. ¿Qué comparte con otros thrillers coreanos? El pitilleo, personajes de buen yantar y la desconfianza en las instituciones, especialmente la policía y los políticos, retratados como corruptos.


La cara del amigo al que gorroneabas pitis en la facultad cada vez que le pedías un cigarro

I Saw the Devil es la historia de una venganza y la deshumanización del protagonista a medida que la lleva a cabo. Un despiadado asesino en serie es el responsable del asesinato de la mujer del protagonista, que para más inri, estaba embaraza. Él, que es policía, decide resolver el caso por su cuenta, torturando a todos los sospechosos que se cruzan en su camino hasta que da con el verdadero asesino de su mujer. Lejos de entregarlo a la policía o de asesinarlo, decide implantarle un chip de seguimiento y frustrar cada uno de sus intentos de asesinato. Siempre es el mismo método, antes de que llegue a consumar su ritual y asesinar a una nueva víctima, aparece el protagonista y le da una paliza. Pero esto no puede seguir eternamente. Además hay que contar con los daños colaterales, ya que quizás no llegue a asesinar a sus víctimas, pero sí le alcanza para hacerles otras cosas. 

Y es que fumar es un placer...

En la Corea menos buena se toman muy en serio las cosas que hacen y por eso I Saw the Devil luce muy por encima de su presupuesto gracias a una producción muy cuidada y a un reparto que está magnífico. Una cosa que hace la película y que le sale bien es lo de desvelar la identidad del asesino. Tanto el espectador en un momento como el protagonista un poco después conocen la identidad del asesino. El juego aquí no es resolver un misterio sino las idas y venidas entre el cazador y su presa, que en un momento determidao de la película ven invertidos sus papeles. En la película abundan los planos en espacios muy reducidos, ya sean pasillos, coches, apartamentos... También hay picados que buscan representar a los personajes en una suerte de jaula, lo que unido a una banda sonora ausente o mínima en algunos momentos cruciales, hace que resalten aún más los sonidos de la ruptura de huesos y ligamentos.

Memories of Murder (2003) es una película coreana dirigida por Bong Joon-ho, que en poco más de una década encadenó trabajos como esta Memories of Murder (2003), The Host (2006), Mother (2009) y Snowpiercer (2013). La película está protagonizada por Song Kang-ho, rostro conocido del cine coreano por participar en otros thrillers y cintas de terror como JSA (2000), The Host (2006), Thirst (2009), Sympathy for Lady Vengeance (2005) o la oscarizada Parásitos (2019). Comparte protagonismo con Kim Sang-Kyung.

La película está basada en un hecho real, los asesinatos de Hwaseong, pequeña provincia rural donde entre 1986 y 1991 fueron asesinadas y violadas diez mujeres sin que la policía resolviera el caso. Bong Joon-ho finaliza la película con el policía protagonista interpretado por Song Kang-ho mirando a cámara, con la esperanza de que el asesino real se encontrase en la sala de cine. Lo loco es que el caso se resolvió en 2019 y el asesino, que ya se encontraba cumpliendo condena en prisión, además de otros asesinatos y violaciones confesó haber visto la película en prisión. 

Gente sin móviles ni redes sociales disfrutando de la vida

Memories of Murder lleva la hibridación de géneros a otro nivel. Si en Encontré al diablo podíamos encontrar toques de comedia y melodrama, en la cinta de Bon Joon-ho esto se lleva al extremo. La policía, desde el primero al último, demuestran ser unos incompetentes: destruyen pruebas, son incapaces de asegurar una escena del crimen, persiguen las pistas más peregrinas, acusan a inocentes, torturan y dan palizas para conseguir confesiones... y entre ellos se putean, se dan collejas y se emborrachan. Los protagonistas pitillean, beben y comen que da gusto, a lo que podemos unir cierto gusto de Bon Jonn-ho por las patadas voladoras. La película sigue la investigación de los crímenes liderada por Park, el policía rural interpretado por Song Kang-ho, y Seo, el policía que envía Seúl interpretado por Kim Sang-Kyung. Seo es el metódico, el que aplica el método científico y sigue pistas serias, pero vemos como poco a poco se va transformando y en el fondo no es tan distinto a otros policías como Park. Esta supuesta dicotomía entre unos métodos y otros da bastante juego en la película, como una trama en paralelo en la que Park ante la falta de evidencias concluye que el asesino no tiene vello púbico, dedicándose a mirar pubis de hombres en las saunas mientras Seo sigue pistas mucho más serias. Toda esta comedia, a veces incluso excesiva, se complementa con otras pinceladas y comentarios, como esas manifestaciones que aparecen de vez en cuando que tenían como telón de fondo el fin de la dictadura en el país. Tampoco podía faltar una persecución torpe y cutre a pie, marca de la casa de muchos thrillers coreanos.

Si tiene pelos ahí abajo no es el asesino, querido Watson

Bong Joon-ho ya demuestra en esta película su estilo en la dirección y ese manejo en el tono con el que resuelve con éxito la mezcla de distintos géneros. De las cosas más destacadas son sus planos generales, mucho más abiertos, y la profundidad de campo. Así construye escenas coreografiadas con muchos personajes donde la acción sucede simultáneamente en varias capas. Lejos de los primeros planos y las escenas con mil cortes y planos distintos, Bong Joon-ho opta por esta manera más sobria de dirigir. Además, ese control del tono también lo aplica a este tipo de escenas y composiciones que hace: no es que una escena sea cómica y la siguiente dramática, es que en la misma escena y gracias a esa manera de dirigir conviven diferentes géneros. En esta película la luz, cuando la hay, es difusa y gris, muy apagada, que junto a unos colores desaturados dan esa sensación de que la Corea rural es un espacio desgastado, sucio, roto. Las noches son de oscuridad total, de grandes claroscuros. Esta suciedad se traslada también a la violencia representada en la película como algo torpe, con personajes que trastabillan, se cansan y caen. 


The Chaser (2008) es una película dirigida por Na Hong-jin. Protagonizada por Kim Yoon-seok yHa Jung-woo cuesta creer que The Chaser sea la primera película dirigida por Na Hong-jin. Generalmente las películas primerizas tienen dejes en la realización, pero a The Chaser las costuras no se le notan.

The Chaser está en la línea de I Saw the Devil, donde lo importante no es el misterio sino el juego del gato y el ratón entre protagonista y asesino. De este último conocemos su identidad desde el principio, así como el protagonista y la policía. El misterio no es desvelar la identidad del asesino, sino reunir pruebas y localizar a sus víctimas para mandarlo a la cárcel. Una vez más la policía, la política y las instituciones aparecen representadas como corruptas e inútiles, incapaces de solucionar problemas. Como sucede en otros thrillers coreanos, también el protagonista está lejos de ser un héroe. Todo es bastante gris. Y si casi todas las películas de este género tienen su escena de persecución a pie, The Chaser es la reina: calles estrechas, callejones, cuestas enormes, personajes que se tienen que tomar un descanso para recuperar el aliento porque pitillean más de la cuenta y un realismo que se traslada también a una realización de cámara en mano y mucho movimiento, como en un documental. En The Chaser los actores sudan, se fatigan y respiran entrecortadamente porque no pueden más con sus almas de tanto correr cuesta arriba y cuesta abajo.

Un poquito de cardio para dormir bien por las noches

The Chaser comienza con los problemas de Joong-ho, un expolicía que ahora ejerce como proxeneta. Debe dinero a sus jefes y varias de sus prostitutas se han desvanecido sin dejar rastro dejándole una deuda que no puede saldar. Joong-ho piensa que se han ido con otro proxeneta, pero la realidad es bien diferente. La única chica disponible, madre soltera de una niña, está enferma, pero Joong-ho la manda a trabajar igualmente. Allí, fruto de una de las casualidades que gobiernan la película, se encuentra con el asesino en serie que ha matado a sus chicas, entre otras víctimas en su haber. Desde el principio no sólo sabemos la identidad del asesino, sino que está bajo custodia policial y confiesa los crímenes. La parte difícil es probarlos y localizar a sus víctimas, especialmente a la última chica de Joong-ho, que empieza a investigar por su cuenta. Así es como llega a la casa de esta última chica, donde se encuentra a su hija, apenas una niña, de la que se hace cargo. El personaje de Joong-ho es un tipo cansado por la vida y al que el día se le hace cuesta arriba. Como en el capítulo Mal día en Black Rock de Sobrenatural en el que un amuleto mágico otorga suerte extrema pero su pérdida implica una mala suerte de muerte, a Joong-ho no le sale una a derechas.

Oportunidad única vista en Idealista: el piso incluye niña

La dirección de Na Hong-jin destaca por un realismo sucio y un tono oscuro que te da un mazazo al final. La violencia está lejos de ser algo bello estéticamente, más bien es algo torpe, caótico y doloroso, aunque hay alguna escena en la que los protagonistas no dejan de sacudirse y tirarse lo primero que pillan a la cabeza que peca de irreal. Hong-jin sabe manejar muy bien la tensión, con el detalle que se da a conocer al espectador de que la última víctima todavía está viva, convirtiendo la película no en un misterio donde revelar la identidad del asesino sino en una cuenta atrás para salvar a una mujer. Entre persecuciones y estallidos violentos Hong-jin nos va conduciendo hacia la resolución. Como en Encontré al diablo oímos el crujir de los huesos, el aliento de los personajes y las pisadas en la lluvia, que elevan todavía más si cabe la tensión. La fotografía nos muestra una Seúl oscura, gris, de una suciedad cyberpunk sin neones.

I walk, I wade
Through full lands and lonely
I stumble
I stumble
With you I wait
To be born again
With love comes the day
Just hold on to me

Come on, my love
And I'm right on time
And the birds keep singing
And you're right on line
One day there'll be a place for us
And the bells keep ringing
Come on, my love
And the battle is won
And the planes keep winging


And I'm right on time
One day there'll be a place for us
And the girl keeps singing




Nueva Ficción Extraña Latinoamericana IX: 'El Gusano' [COLOMBIA]

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Hace unos meses hablé en esta entrada de Parásitos perfectos (2024), el primer libro de relatos del escritor e ilustrador colombiano Luis Carlos Barragán. Tanto su formación en Artes Plásticas como su estancia en la Universidad Americana de El Cairo cursando Historia del Arte Islámico tienen su reflejo en El gusano (2018), su segunda novela.

El gusano es una ucronía que arranca en un 1997 alternativo donde los cuerpos se fusionan y pierden su función de contenedores individuales. La síntesis entre dos o más cuerpos da como resultado un intercambio de ADN y de recuerdos. La novela comienza cuando un niño de seis años, César, se fusiona con otra niña de su clase, Sara, la hija de un diplomático sirio destinado en Colombia. El gusano sigue la vida de César y la búsqueda y reencuentro con Sara mientras la sociedad colapsa. Escrita en 2018 ya anticipaba las consecuencias de una pandemia en las que el contacto social estaba restringido y podía significar la muerte. Por la novela desfilan las obsesiones de Luis Carlos Barragán: lo monstruoso adquiere categoría de subversivo que viene a destruir nuestro orden simbólico. También está presente esa idea de que la identidad ligada a un cuerpo es una cárcel y de que las propias percepciones y sentidos de ese cuerpo individual son limitadas y no nos permiten comprender la realidad que habitamos. ¿Qué sucede cuando los guerrilleros de las FARC se fusionan con animales? ¿Y cuando un homófobo se fusiona con una lesbiana? ¿Y un blanco supremaciasta con un negro?

Por la novela desfilan paramilitares anti-fusión que se dedican a asesinar a los que han llevado a cabo alguna síntesis, una nueva tribu urbana de vaporwavers que disfrutan en la clandestinidad de la música y el contacto físico, robots sexuales que satisfacen deseos de roce y cercanía corporal, gigantes compuestos por la síntesis de varios cuerpos humanos y animales, campos de refugiados en Europa, conspiranoicos en Egipto y adoradores de una nueva religión que anuncia el advenimiento del gusano que conectará todas las mentes.  Barragán coge el conflicto colombiano, su violencia, su falta de empatía, y la lleva a otro lugar elevándola y convirtiendo su alegoría en algo que va mucho más allá. La novela tiene muchas lecturas, algunas obvias y otras no tanto.

El estilo de Barragán se vale de las descripciones minuciosas de los cuerpos y sus fluidos fusionándose con otros cuerpos y fluidos para crear una idea de monstruoso que también se apoya mucho, no sólo en el texto, sino en las ilustraciones del propio autor que acompañan a la novela. El libro está salpicado de un discurso oral lleno de jerga y localismos, que reformulan de algún modo la idea del cyberpunk anglosajón del High Tech, Low Life. La realidad cyberpunk de Bogotá es la de la pobreza, la ausencia del Estado y la falta de infraestructuras, tecnológicas o de otro tipo. En El gusano se manifiesta la hibridación entre el mundo cristiano, el musulmán y el indígena, una suerte de combinación entre culturas supuestamente antagónicas que se fusionan como lo hacen los cuerpos en la novela: perdiendo una parte de sí mismas pero ganando otras que las complementan. Sin ser una obra vanguardista en lo formal, el misticismo, el ocultismo y el mundo de las drogas emparentan al texto con la New Wave de Ballard y de Burroughs, lo que unido a la simbiosis del texto escrito con las ilustraciones apuntan en esa dirección de querer romper con la tradición.

Una de las cosas a valorar positivamente de El gusano es que es de esas ficciones que te tira al agua y espera a que te hundas o flotes. No existen ni prólogo ni diálogos explicativos al comenzar el libro, lo que sucede lo vas deduciendo conforme avanza la lectura. Y la trama avanza firme en sus ideas hasta el final. Aquí, y ya es subjetivo, es donde le veo alguna falla. Sucede con multitud de novelas de Stephen King. Ahora recuerdo La cúpula (2009): una cúpula aísla un pequeño pueblo del resto del mundo. Seguir esa idea supone imaginar los escenarios derivados de esa situación: eventual falta de oxígeno y de víveres. Cerrar esa trama no es fácil. En el caso de Barragán creo que supone abandonar un poco el desarrollo de los personajes para adentrarse en la novela de tesis: quiero decir algo y te lo voy a dejar claro con este final.

En Latinoamérica el futuro llegó sin avisar, lo que deja a sus habitantes bien jodidos y nos lanza un aviso: somos los siguientes. Como consecuencia de este deterioro brutal en sus condiciones de vida, paralelamente asistimos a una explosión de talento creativo e imaginación que no se ha visto en Occidente desde hace medio siglo. Luis Carlos Barragán es una de las voces más revolucionarias y únicas que existen en la literatura mundial actual, dedicado libro tras libro a mostrarnos el colapso desde la periferia, los monstruoso como bello y la simbiosis y la hibridación como respuestas al individualismo. Gracias a Vestigio por publicarlo en Colombia y a Holobionte por traerlo a España. 

Barragán Castro, Luis Carlos (2024). El gusano. Holobionte Ediciones. 
Barragán Castro, Luis Carlos (2018). El gusano. Ediciones Vestigio. 

Não posso esquecer 
O teu olhar 
Longe dos olhos meus 
Ai, o meu viver 
É de esperar 
Pra te dizer adeus 

Mulher amada 
Destino meu 
É madrugada 
Sereno dos meus olhos já correu




EFECTO 2000 con Eliza Dushku: 'Wrong Turn', 'Soul Survivors' y 'Open Graves'

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Después de varios papeles secundarios en el cine de los noventa, Eliza Dushku consiguió cierta repercusión y fama gracias a su papel en Buffy, cazavampiros (1997-2003), donde interpretó el papel de Faith, una cazavampiros que iba de tía dura. Esa interpretación le abrió las puertas en los dos mil a participar, a veces como protagonista, otras como secundaria, en varias películas de terror de esa década. Si la carrera de Sarah Michelle Gellar fue irregular después de su paso por Buffy, la de Dushku fue si cabe más errática, hasta el punto final que le puso en 2017 después de denunciar los abusos que sufrió y que la industria tapó.

Wrong Turn (2006), que se tituló en españa Km 666: desvío al infierno, fue la primera de las siete películas que conforman la saga creada por Rob Schmidt. Con Wrong Turn sucede lo mismo que pasa ahora con algunas películas found footage que han dado lugar a largas sagas —hola, Paranormal Activity—, incluyendo reinicios, precuelas y varias secuelas. Con lo difícil que es hacerse un hueco en la industria, los hay que optan por aferrarse a lo primero que les medio funciona. Esperemos que al director de Backrooms le dé por cambiar el sujeto de su interés y no nos tenga hasta 2040 con los espacios liminales a cuestas. 

En casa siempre celebramos Acción de Gracias con un plato especial

La película narra la historia de un grupo de jóvenes perdidos en medio de un bosque y que son cazados, asesinados y consumidos por un grupo de caníbales que viven por esos montes. El grupo está liderado por los personajes que interpretan Eliza Dushku y Desmond Harrington, aunque el reparto cuenta con otra cara que saltaría a la fama gracias a la tele, la de Jeremy Sisto, que sería Lucifer en Supernatural y Jacob en Perdidos. La dirección de Schmidt es bastante sobrio para lo que es la época. Es un poco lo mismo que sucede con el tono, alejado de la comedia y lo meta. No puede faltar la cámara moviéndose más de lo aconsejable y la multitud de cortes a un ritmo frenético, pero también asoman por ahí algunos POV y un estilo de cámara en mano que se acerca al realismo documental. También el gusto por los efectos artesanales en contraposición al CGI. Este aprticular estilo de dirigir lo ha demostrado en series antológicas de terror como Fear Itself (2008) y Masters of Horror (2005-07) así como también en varios documentales sobre True Trime.

Podría ser un fotograma de una serie random de los dos mil

Dushku protagoniza un slasher de los que eran bastante típicos en la época: grupo de jóvenes confusos que son asesinados por unos caníbales rurales. La onda generada por La matanza de Texas (1974), como una sombra alargada, llegó hasta el nuevo siglo. Por su puesto, nada de sexo ni de enseñar media teta, pero sí muestra unas cuantas escenas gore nada habituales y que anticipan a Saw (2004) y Hostel (2005), la avanzadilla que junto al Nuevo Extremismo Francés conformó esa cosa llamada Torture Porn y que consistía en un gore extremo. En esta primera entrega de Wrong Turn se quedan un poco a medio camino de esos dos mundos, el del slasher para adolescentes comercial de finales de los noventa y el del gore de los dos mil. Quizás lo que hizo funcionar esta saga fue alejarse del tono meta tan de moda desde Scream (1996) y apuntar a la nostalgia setentera de La matanza de Texas (1974) y Las colinas tienen ojos (1977) y su terror rural. Si Wrong Turn se adelantó al Torture Porn, también anticipó o al menos coexistió y anunció todos los remakes y reinicios de sagas del terror clásico: La matanza de Texas (2003), Las colinas tienen ojos (2006), Halloween (2007), House of Wax (2005), Fridat the 13th (2009), Down of the Dead (2004), The Amityville Horror (2005) fueron, junto a los remakes de cine asiático, sobre todo japonés, la tónica dominante en el cine comercial de terror. De la fusión de estas dos tendencias saldría la renovación del terror.

En Wrong Turn (2001) Eliza Dushku compartía protagonismo con Desmond Harrington pero en Soul Survivors sólo era una secundaria más. La película, escrita y dirigida por Steve Carpenter, está protagonizada por Melissa Sagemiller, con secundarios como Casey Afflect, Wes Bentley y la propia Dushku, que acabó en las portadas tanto del póster de la película como en la carátula del DVD. El estudio decidió aprovechar su tirón en Buffy, cazavampiros para vender la película. Cuando en el propio cartel de la película anuncian que la película está producida por los responsables de Sé lo que hiciste el último verano y Leyenda urbana, es momento de comprobar que la cartera sigue en su sitio. A esa promoción tonta y descarada hay que sumarle ese gusto por destripar tramas traduciendo títulos: en España la llamaron Escapando de la oscuridad. 

¿De qué va la película? Cassie, el personaje interpretado por Sagemiller, es una joven que empieza su primer año de universad. Al terminar una fiesta discute con su novio, Sean, que la pilla liándose con un amigo. Cassie, Sean, el amigo y otra pareja se montan en el coche y tienen un accidente. Sean muere y Cassie empieza a tener visiones de lo que parece ser el más allá. A lo largo de la película se va a dedicar a lo que aludía el título de la película en España: a escapar de la oscuridad. Todo cine comercial depende de unos señores y señoras que como ponen la pasta toman decisiones en base a lo que creen que les va a reportar más ganancias. El equilibrio entre esa visión comercial y la parte artística siempre es delicado. En Soul Survivors la cosa no salió demasiado bien. De película para adultos pasó a una para menores de trece años, con muchos recortes de escenas que cantan bastante. Al menos luego se editaría el DVD con el montaje original. 

Después de cazar vampiros Faith acompaña a su amiga a la universidad

A la película le sucede que si has visto más de tres películas en tu vida y tienes más de diez año se la ve venir de lejos. De hecho no tengo nada claro que de verdad plantee jugar al misterio. La protagonista tiene un accidente, vemos como la trasladan al hospital, comienza a tener visiones... No sé Rick, pero yo diría que está muerta o en coma. Cuando en una ficción tienes más información que los personajes es difícil gestionar la tensión y despertar el interés. A veces caes de pie como en la coreana The Chaser, otras te hundes en el fango como Soul Survivors.

Tengo una mala noticia: tíreme del dedo

Steve Carpenter cae en todos los vicios de la época: montaje frenético, con muchos cortes, banda sonora de metal industrial, colores desaturados, jumpscares... Matrix (1999) debido a su gran repercusión opaca otros referentes de este tipo de estética como el El cuervo (1994), uno de los referentes que canibalizaron las Wachowski en su película. Si eras gótico/a en esa época tus referentes eran El cuervo y los videoclips de HIM. Más allá de la pericia dirigiendo de Carpenter, recomiendo no ver la versión censurada, porque a las elipsis del guion se le suman unos cortes brutales que despistan todavía más.


Si no te va bien en Hollywood siempre te puedes ir a Europa, pero ¡ay!, ya no es lo que era. Eso es lo que debió de pensar Eliza Dushku cuando coprotagonizó Open Graves (2009) junto a Mike Vogel, la película dirigida por el español Álvaro de Armiñán, coproducción a tres bandas entre EEUU, España y Reino Unido, y rodada en Euskadi. Imagínate que estás de pinchos en el casco viejo de Bilbao y te encuentras a Eliza Dushku comiendo txistorra. 

La película narra la historia de un grupo de jóvenes surferos que después de jugar a un misterioso juego de mesa comienzan a morir de formas horribles. Open Graves mete en la coctelera Jumanji, añade hielos y un chorrito de Destino Final. Todo con un toque local que tanto gusta a los gringos: el juego maldito se llama Mamba y está construido con los huesos y la sangre de una bruja quemada por la Inquisición de Torquemada. Tiras un dado y caes en casillas que te obligan a sacar un determinado tipo de carta. Cada carta, que suele ser mala, ofrece una predicción de tu muerte. Claro, no te dice que te va a caer una maceta en la cabeza, sino algo así como «sentirás la ligera brisa de un rosal». Completar el juego sin sacar ninguna de estas cartas te permite pedir un deseo. Para el resto supone morir como en Destino Final: sentirás una leve brisa que acabará en muerte.

Cuando Camera Cafe se coló en una peli de Eliza Dushku

La película, que contó con un presupuesto muy pequeño, adolece no sólo de falta de medios sino también de talento. Lo del dinero canta en el CGI cutre que gasta la película, pero lo del talento clama al cielo. Álvaro de Armiñán abusa de planos aberrantes, pero a unos niveles ridículos. Un plano, el que sea, cumple una función, pero el director parece abonado al mismo tipo todo el rato. Open Graves tiene una realización que remite a telefilms o series de otras décadas. Hay una escena de un personaje que sube unas escaleras en las que hay un montón de cortes y planos rarísimos sin sentido. Que fuera rodada en 2006 y estrenada en 2009 tampoco ayudó en nada a la película, que para el terror que se estaba haciendo en esos años, parecía de otra época.

Suplementos para después del entreno

Robi Chuit Roganovich tiene la tesis de que el siglo XX es un siglo largo, al contrario de lo que pregonaba Eric Hobsbawm, que decía que empezaba con la Revolución Rusa de 1917 y terminaba con la caída del muro en 1989. Para Robi el siglo XXI comienza en 2008 con tres hitos tecnológicos que han cambiado nuestro mundo: la alianza del mundo de las finanzas con el tecnológico, el protocolo de la blockchain y la popularización y masificación de las redes sociales. Crytobros e influencers. Llega el smartphone y con él la polarización y la radicalización. Nosotros en los dos mil sólo queríamos ver una película decente de terror protagonizada por Eliza Dushku. Sólo eso.

Hear the airplane flying
Roaring January blue
Above a world that's dying
And a world that's new 
I feel a pulse that's beating 
Meteors invade my wrists 
Something's coming I need it 
Good I know it is 

It's good 
It's good 
I know it's good




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