En los ya cada vez más lejanos años noventa los supermercados vendían discos y casetes además de libros que no sólo eran de autoayuda o del famoso de turno. Entre esta venta de libros destacaba el género de fantasía, que en nuestro país estaba copado por la editorial Timun Mas y sus libros de la Dragonlance. Aunque no todo el monte era Dragonlance, como prueba este El Ciclo de la Puerta de la Muerte. Una heptalogía escrita a dos manos por los creadores de Dragonlance, Magaret Weis y Tracy Hickman. ¿Pero no habíamos quedado que no todo era Dragonlance?

Ala de Dragón (1990) es el primer libro de la heptalogía con la que Weis y Hickman querían salirse del corsé de la Dragonlance; y en cierta medida lo consiguen. La fantasía de los ochenta y estos primeros noventa no deja de ser un refrito de Tolkien, de eso no se salvan los autores, pero consiguen diferenciarse en un par de cosas. La más importantes son un sentido del humor bastante autoparódico, con una sátira que no existía en Tolkien. También esa autonsciencia que los lleva a burlarse del género de fantasía épica también lleva a Weis y Hickman, según avanza la saga, a introducir elementos de la cultura pop como James Bond y Marilyn Monroe.  

Como primer libro de la saga también es el menos interesante ya que no existe un equilibrio entre la presentación del mundo y los personajes y la trama. La trama, en ese sentido, se ve perjudicada por la necesidad de presentar un universo amplio y con intención de ser complejo. En este universo existen diversas razas, las más poderosas son los sartán y los patryn. Los primeros, temerosos de los segundos, destruyen el universo creando cuatro nuevos mundos basados en los cuatro elementos —aire, fuego, tierra, agua—, encerrando a los patryn en un laberinto mágico, un sitio llamado Nexo a la salida de este, y comunicados los mundos y el Nexo por un portal llamado Puerta de la Muerte. Por alguna razón desconocida, los sartán desaparecen de los nuevos mundos creados tras la Separación —como se la llama en los libros—, los cuales tenían que tutelar y poner en funcionamiento. El Laberinto que debía encerrar a los patryn por un corto periodo de tiempo, se convierte en una cárcel mortal durante generaciones. Pero por fin algunos de ellos consiguen llegar a la última puerta y abandonar el Laberinto, accediendo a un mundo nuevo, el Nexo. Allí el líder de los patryn, el primero en escapar del Laberinto, envía a Haplo al mundo del aire, Ariano, para que investigue e inicie la rebelión contra los sartán. Allí Haplo se encuentra con un mundo complejo donde enanos, humanos y elfos, viven en reinos aislados y peleando por un recurso: el agua. El mundo de Ariano se compone de una serie de continentes-isla flotantes a distintas alturas: en la parte de abajo habitan los enanos, en la del medio los humanos y en la de arriba los elfos y unos misteriosos hechiceros humanos que huyeron del reino medio. Aunque para misterio la máquina tumpa-chumpa, capaz de reproducirse y autorrepararse, operada por los enanos, que desconocen para qué sirve pero aún así se ocupan de ella. 

En Ala de Dragón suceden cosas porque sí: es decir, un cliché del género es el de dos personajes o dos grupos de personajes, de los que se va saltando de uno a otro en cada capítulo, a los que se hace coincidir en el tercio final de la historia. Quizás se pasan de ambiciosos los autores, queriendo meter demasiadas tramas, que tienen que cerrar con algún que otro deus ex machina. A mí no es algo que me moleste demasiado, más teniendo en cuenta que ya he leído la saga con anterioridad —por aquí una breve reseña de hace una década— y sé que la cosa mejora bastante. El protagonista de la saga es el patryn Haplo, pero en los primeros libros tarda en aparecer y los personajes principales son algunos habitantes de esos mundos que investiga. En el caso de Ala de dragón Limbeck el enano, Hugh la Mano, el heredero Bane y el sartán Alfred comparten protagonismo y trama con Haplo.

La estrella de los elfos fue el primer libro de la saga que leí. Cosas que pasaban en aquella época. Por 905 pesetas era único de la saga que tenían en el Eroski, además el título prometía elfos, y por aquella época eso era bien.

Por menos de mil pesetas matabas unas cuantas tardes bochornosas de verano

La llegada de Ringu (1998) agitó y removió los cimientos de un género, el de terror, que andaba de capa caída en EEUU desde finales de los ochenta. Scream en 1996 y Ringu dos años después sacudieron el mercado y crearon tendencia: llegaron los slashers de adolescentes idiotas —otra vez— y el jhorror. Fue este último el que popularizó el cine japonés sacándolo del nicho en el que se encontraba. Battle Royale no es jhorror, pero si consecuencia directa de su influencia.

Leaving D. C. es un caso de película Juan Palomo: la película está dirigida, escrita e interpretada por Josh Criss. Leaving D. C. es una cosa pequeñita, tiene una localización y un actor, con una breve aparición de otro personaje a mitad de película, y la voz del sheriff a través del teléfono; eso es todo.

Josh Criss interpreta el papel de Mark Klein, un trabajador cansado de vivir en la gran capital, que decide comprar una casa donde Cristo perdió el mechero en medio de un bosque. Sin vecinos, sin ruidos ni tráfico, Mark documenta su mudanza y nueva vida en un videoblog para su grupo de gente del trabajo y su amiga especial, también compañera de trabajo. Entiendo que esto de la cultura corporativa debe de ser una cosa habitual en EEUU. La primera noche, a Mark lo despiertan unos ruidos cerca de su ventana, por lo que a la noche siguiente decide dejar una grabadora mientras duerme. Aquí viene la magia de Josh Criss: parte del metraje es Mark enseñándonos la pantalla de su ordenador y su programa de edición de sonido. ¡Y funciona!

A la película le ayuda su brevedad, ya que no llega a los ochenta minutos. Noche tras noche se sucede la misma situación y Mark, lejos de huir, decide documentar todo lo que ocurre. La tensión se va elevando hasta que todo concluye en un final bastante anticlimático que tampoco desmerece el viaje hecho. Yo que me he tenido que mudar varias veces en los últimos años por culpa de vecinos ruidosos, firmo lo de Mark. La solución son unas buenas ventanas de Climalit, Mark.

 

Fantasma tocando la flauta. Literal.

The Houses October Built (2014) y The Houses October Built 2 (2017) también son casos de películas Juan Palomo: están escritas y dirigidas por Bobby Roe, que también tiene un papel secundario como actor. A diferencia de Leaving D. C., son películas más grandes, con más reparto y localizaciones, especialmente la segunda. Básicamente una, Leaving D. C., no tiene presupuesto, y la otra roza el millón. Que tampoco es mucho, pero se nota.

The Houses October Built narra el viaje de cinco amigos de la infancia en el que documentan las casas del terror de Halloween que visitan. Estas casas son todo un fenómeno en EEUU y surgen como setas en las semanas previas a Halloween. Este grupo de amigos, que viajan en caravana a través del país, buscan documentar la experiencia más extrema. A lo largo del viaje empiezan a ser perseguidos y acosados por un grupo que dice ofrecer la experiencia más bestia en cuanto a casas de terror.  The Houses October Built 2 (2017) es la misma película pero con un dron. No está todavía documentado el daño que han hecho los drones al cine. Si por algo destaca la película, además de por los planos aéreos, es por las localizaciones, algunas bastante impresionantes para su bajo presupuesto.

Maniac Cop (1988) es una película de terror de bajo presupuesto dirigida por William Lustig, escrita por Laary Coen y protagonizada por Tom Atkins, Bruce Campbell y Robert Z'Dar. La película llega ya cuando el cine de terror comercial iniciaba su declive, especialmente el subgénero del slasher. El policía maníaco imita a los asesinos sobrenaturales de sagas como Viernes 13 y Halloween. Esta Maniac Cop gozó—y goza todavía— de un estatus de culto, a lo que contribuyeron factores como el guionista, Larry Coen, y el reparto. A Tom Atkins lo hemos visto en pequeños papeles en La niebla (1980) y Rescate en Nueva York (1981), además de como protagonista en Halloween III (1982); qué decir de Bruce Campbell y la saga Posesión infernal. Luego está Larry Cohen, que además de guionista ha dirigido pelis de culto como The Stuff (1985) y La ambulancia (1990).

La evidencia (2013) es una película dirigida por Olatunde Osunsanmi y protagonizada por el de True Blood Stephen Moyer y la de Silent Hill Radha Mitchell. En La cuarta fase (2009) Osunsanmi ya tenía alguna cosa peculiar, como ese estilo a la hora de dirigir tan videoclipero, con mucho paneo y la cámara espídica moviéndose todo el rato. También usaba la pantalla partida con imágenes supuestamente reales, que no terminaba de cuajar. En La evidencia Osunsanmi mezcla ese estilo videoclipero con metraje encontrado, creando un contraste que tampoco termina de funcionar del todo.

Existen películas que son un parteaguas, hay un antes y un después de ellas. Pasó con Parque Jurásico (1993) y la revolución sobre los efectos digitales que desató. Uno de esos hijos de Parque Jurásico, la trilogía de El señor de los anillos (2001-03), volvió a desatar otra revolución similar. Una de esas películas que se quedó a medio camino fue Gladiador (2000); no llegó a aprovechar todo el potencial de los efectos digitales pero fue suficiente para marcar toda una época, devolviendo la popularidad a un género muerto y enterrado como el de espada y sandalia. Con esa película Ridley Scott puso de moda otra vez el peplum, así como suena. Combinado con la llegada de El señor de los anillos (2000) y el uso del CGI, pronto películas como Braveheart (1995) envejecieron décadas. Así llegaron a los cines El rey Arturo (2004), Troya (2004) y Alejandro Magno (2004). Y con ellas otra multitud de copias como La legión del águila (2011), Centurión (2010) o La última legión (2007), aunque en este caso bajo el influjo de otra película, la 300 (2006) de Zack Snyder.Había que huir de la fantasía e intentar vender una película histórica, al menos en apariencia. El rey Arturo (2007) fue dirigida por Antoine Fuqua, escrita por David Franzoni —que venía de coescribir Gladiador— y estaba protagonizada por Clive Owen y la por entonces joven estrella, Keira Knightley. 

La película, pese a contar con un presupuesto de 120 millones de dólares, se ve mucho más barata que Troya y Alejandro Magno, todas del mismo año. La primera contó con 185 millones de presupuesto, la segunda con 155. Son cantidades mayores, pero tampoco tan significativas para justificar lo pobre que se ve El rey Arturo. El diseño de producción no es muy allá, la fotografía tampoco luce bien, salvo, inexplicablemente, algunos primeros planos que parecen de otra película. Y tampoco hay un CGI exagerado. El rey Arturo parece una película rodada cuatro años antes, sin la influencia de El señor de los anillos. También sufrió de censura por parte de los directivos, que obligaron al director a eliminar la sangre y las escenas más violentas de la película para hacerla adecuada a una calificación PG-13. Chorradas como que la flecha que aparece clavada en la cabeza de un actor aparezca ahora clavada en el pecho. En eso se fue parte del presupuesto, no en mejorar lo que había sino en rehacerlo para que fuera apto para un público adolescente. Vas sumando cosas, y lo que debería de haber sido una película de aventuras sin más pretensiones, acabó recibiendo tan malas críticas que no acabó de funcionar muy bien en taquilla.

Daryl cazando zombis en The Walking Dead

Brad Pitt imitando a Enrique Bunbury en el gesto de morderse los carrillos para parecer intenso

El desembarco de Normandía

Alejandro Magno (2004) está escrita y dirigida por Oliver Stone, en colaboración con Christopher Kyle y Laeta Kalogridis, y cuenta con un reparto de grandes nombres encabezado por Colin Farrell, Val Kilmer, Angelina Jolie, Anthony Hopkins y Jared Leto. Si El rey Arturo y Troya son un aprovechar la moda del momento por parte de los estudios de Hollywood, Alejandro Magno es una obra de autor. La visión personal de Oliver Stone, tan fascinado desde siempre por el poder y los grandes nombres.

En unos años vais a hacer burpees, a daros duchas frías y a tradear con criptomonedas

Un bro de los cuarenta sintonizando a auronplay

 

Hace ya una década hablé aquí y aquí de mis pódcast favoritos. Ahí hablaba de lo amateur del formato en España, en contraste con EEUU, donde ya la década pasada había auténticos profesionales del medio. Al final lo que ha sucedido en España es que los grandes medios se metieron en el formato: el pez grande se comió al chico, una vez más. También compartía en esas entradas mi gusto por algunos podcast, que para mi sorpresa, salvo la excepción de Charrando de tebeos, todos siguen vivos y coleando; aunque ya no los escuche. Sucede un poco como lo que sucedió con los blogs, un primer momento donde estaban de moda, seguido de un bajonazo y una posterior normalización. Hoy se escuchan más podcast que hace diez años, pero la normalización del formato ha venido de los grandes medios y famosos. Casi hasta el más tonto tiene pódcast.  

• Normal Podcast for Normal People

El mejor pódcast sobre cripipastas —curipi— en castellano, no admite discusiones. Pódcast dirigido por una sola persona, Snuff, que se dedica a locutar y comentar cripipastas. También lleva ya unos cuantos años convocando un concurso de cripipasta que él mismo se encarga de locutar y que la comunidad vota y comenta. Para mí es una cita fija todos los viernes. Cuenta con fansite y una comunidad, la normalada, que se ha expandido como el mycelium: hay grupo de fitness, de lectura, de off-topic, de videojuegos, de anime... y otros por los que es mejor no preguntar.  En el grupo principal de Telegram podrás compartir experiencias curipi con otras personas y personajes recogidos de una cuneta de internet. Imperdible si te gustan los cripipasta. Eso sí, prepárate para el viaje. ¡Y cuidado con las escaleras del bosque!

• Estamos muertos... ¿o qué?